El Arte del cine

El cine compendia y se basa en todas las artes. Más que ninguna otra las utiliza, trasvasa y recrea, necesita de ellas, las mejora y las difunde. Sin la literatura y los escritores, sean de novela, cuento, guión o poesía, el cine no tendría argumentos. Sin la fotografía, la pintura, la escultura y la arquitectura, no tendrían soporte estético ni justificación teórica. Sin la música y la danza, la luz o el color no podría expresarse en su plenitud. Sin las ciencias, la física y la química, la tecnología o la informática, el cine no tendría base material en que sustentarse. El cine, además, conduce a la tecnología hacia el arte, reproduce la luz y el color y eleva el movimiento y el ritmo a las alturas de las artes llamadas «nobles», para generar la fantasía, la ficción y la realidad.

Además, un gran número de técnicas y artesanías (la peluquería, la electrónica, la iluminación, la sastrería...), alguna disciplina científica (óptica y geometría, por ejemplo) y el resto de las artes, confluyen en buena medida en la realización de una película, a la que debe añadirse el arte dramático, la interpretación de los actores, la imaginación o la fuerza creativa del trabajo en grupo. Todas las disciplinas científicas, técnicas y artísticas, mas todos los esfuerzos profesionales y personales, participan directamente en un día cualquiera de rodaje

Las mejores peliculas para ver en pareja

El Gran Gatsby (2013) / The Great Gatsby

Director: Baz Luhrmann / País: Australia, USA / Género: Drama, Romance / Reparto: Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan, Joel Edgerton.

.Memorias de un Zombie Adolescente (2013) / Warm Bodies

Director: Jonathan Levine / País: USA / Género: Comedia, Horror, Romance / Reparto: Nicholas Hoult, Teresa Palmer, John Malkovich.

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Los Miserables (2012) / Les Misérables, UK

Director: Tom Hooper / Género: Drama, Musical, Romance / Reparto: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway.

The Perks of Being a Wallflower (2012) / Las Ventajas de Ser Invisible

Director: Stephen Chbosky / País: USA / Género: Drama, Romance / Reparto: Logan Lerman, Emma Watson, Ezra Miller.

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Dando La Nota (2012) / Pitch Perfect

Director: Jason Moore / País: USA / Género: Comedia, Romance / Reparto: Anna Kendrick, Brittany Snow, Rebel Wilson.

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Ruby Sparks (2012)

Director: Jonathan Dayton, Valerie Faris / País: USA / Género: Comedia,Fantasía, Romance / Reparto: Paul Dano, Zoe Kazan, Annette Bening.

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Moonrise Kingdom (2012)

Director: Wes Anderson/ País: USA / Género: Comedia, Drama, Romántica / Reparto: Jared Gilman, Kara Hayward, Bruce Willis, Edward Norton.

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Amour (2012), Francia

Director: Michael Haneke / Género: Drama , Romance / Reparto: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert.

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Jane Eyre (2011), UK, USA

Director: Cary Fukunaga / Género: Drama, Romántica / Reparto: Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Jamie Bell.

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Crazy, Stupid, Love (2011) / Loco y Estúpido Amor

Directores: Glenn Ficarra, John Requa / País: USA / Género: Comedia, Drama, Romántica / Reparto: Steve Carell, Ryan Gosling, Julianne Moore.

The Artist (2011) / El Artista, Francia, Bélgica

Director: Michel Hazanavicius / Género: Romántica, Comedia, Drama/ Reparto: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman.

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Friends with Benefits (2011) / Amigos con Beneficios

.Director: Will Gluck/ País: USA / Género: Comedia, Romántica / Reparto: Mila Kunis, Justin Timberlake, Patricia Clarkson.

Never Let Me Go (2010) / Nunca me Abandones, UK, USA

Director: Mark Romanek / Género: Drama, Romántica / Reparto: Keira Knightley, Carey Mulligan, Andrew Garfield.

Pelicula romantica mas vista en la historia del cine

Titanic (película de 1997)

Titanic es una película estadounidense dramática-de catástrofe de 1997 dirigida, escrita, coproducida y coeditada por James Cameron y protagonizada por Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, Gloria Stuart y Bill Paxton. La trama, una epopeya romántica, relata la relación de Jack Dawson y Rose DeWitt Bukater, dos jóvenes que se conocen y se enamoran a bordo del transatlántico RMSTitanic en su viaje inaugural desde Southampton, Inglaterra a Nueva York, EE. UU., en abril de 1912. Pertenecientes a diferentes clases sociales, intentan salir adelante pese a las adversidades que los separarían de forma definitiva, entre ellas el prometido de Rose, Caledon «Cal» Hockley (un adinerado del cual ella no está enamorada, pero su madre la ha obligado a permanecer con él para garantizar un futuro económico próspero) y el hundimiento del lujoso barco tras chocar con un iceberg.

Si bien Jack y Rose son personajes ficticios, varios otros secundarios como Margaret «Molly» Brown (pasajera de primera clase), Thomas Andrews (diseñador del barco) yEdward John Smith (capitán del buque) son personas que realmente vivieron los acontecimientos históricos de 1912. También son reales las tomas del verdaderoTitanic hundido en el fondo del océano Atlántico que figuran en las escenas iniciales, para las cuales se destinaron tres millones de dólares estadounidenses del presupuesto total de la producción.

Cameron estaba fascinado por el naufragio del Titanic y su interés en él aumentó al reunirse con Robert Ballard, quien descubrió los restos del barco en la década de 1980,10 durante la producción de The Abyss. El cineasta buscó patrocinadores enHollywood para llevar a cabo una expedición al sitio del naufragio, sin todavía tener la intención de hacer una película en torno a los sucesos. Tiempo después escribió un boceto para una cinta sobre el Titanic y se lo presentó a los ejecutivos de 20th Century Fox, quienes le dieron «luz verde» al proyecto, a pesar de que no estaban muy convencidos sobre el éxito que pudiera llegar a tener. Cameron no comenzó a escribir el guion sino hasta después de realizar las tomas del verdadero Titanic y de estudiar detenidamente a cada uno de los personajes y pasajes históricos del barco, ya que quería honrar a todos los que habían muerto en el naufragio.

Fox invirtió 57 millones de dólares estadounidenses16 en la adquisición de 161 874 m² de la costa sur de Playas de Rosarito, Baja California, en México, donde comenzó a construir el Fox Baja Studios diseñado especialmente para la filmación del proyecto en mayo de 1996. En ese estudio se edificó a escala completa el barco. El rodaje principal comenzó en septiembre de ese mismo año, duró 160 días y se concretó en marzo de 1997. A su vez, la composición de la banda sonora recayó en James Horner y contó con la participación de la cantante noruega Sissel. Al igual que la cinta, gozó de un éxito comercial y crítico; vendió más de treinta millones de copias, once millones de ellas en EE. UU., lo que le valió ser certificada «11 x Platinum» por la RIAA. Un segundo álbum titulado Back to Titanic se distribuyó a partir del 25 de agosto de 1998, una semana antes del lanzamiento de la película enVHS.

Tras su estreno el 19 de diciembre de 1997,1 a pesar de que varios analistas y expertos de la industria vaticinaban un fracaso en taquillas ya que en su momento era considerada como «la producción más costosa del cine de todos los tiempos», la película se convirtió en un éxito tanto en el aspecto comercial como en cuanto a la evaluación de la crítica: obtuvo un 83% de aceptación en Rotten Tomatoes y un puntaje de 74 sobre 100 en el Metascore. Tan sólo en su primer día en EE. UU. y Canadá recaudó 8 658 814 de dólares estadounidenses. En su primera semana en carteleras, logró obtener ganancias de 52,9 millones de dólares. Se mantuvo con una recaudación parecida por varias semanas, y permaneció en el primer lugar en EE. UU. y Canadá por dieciséis semanas consecutivas y en el top 10 hasta la semana número 26. Finalmente cerró con más de 600 millones USD en EE. UU. y Canadá y más de 1800 millones de dólares a nivel internacional. Con estos números, se convirtió en la película más taquillera de la historia a nivel mundial, título que retuvo por más de una década hasta ser desplazada por Avatar (dirigida también por Cameron), que recaudó más de 2700 millones de dólares, tras lo cual Titanic pasó a ocupar el segundo lugar del listado.34 35 La película ganó 89 premios, entre los que se encuentran once premios de la Academia (cifra solamente igualada por Ben-Hur y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey),36 cuatro Globos de Oro, ocho galardones Satellite, un par de premios People's Choice, dos más de MTV Movie, un reconocimiento SAG y una estatuilla Annie.

La película se reestrenó en formato 3D el 4 de abril de 2012, seis días antes de la fecha en que el Titanic partió de Inglaterra en 1912 y un mes antes del centésimo aniversario de Paramount Pictures, la otra casa productora de la película. Junto con la recaudación del reestreno, la recaudación total de la película suma 2 185 372 302 USD.

Peliculas mas vista durante el 2012

1. Amanecer parte 2

2. Los vengadores

3. Ted

4. Lo imposible

5. Tengo ganas de ti

6. El caballero oscuro: La leyenda renace

7. Batman: el caballero de la noche

8. Ice Age 4: La formación de los continentes

9. Intocable

10. Brave

Ha recibido 1

La 10 peliculas mas populares para niños

. El Rey León

2. La Era De Hielo

3. Shrek

4. Monster INC

5. Toy Story

6. Buscando a Nemo

7. Up

8. Madagascar

9. Wall-E

10. Ratatouille

Los 10 Monstruos Más Populares del Cine

1. Drácula – Drácula 1931

El vampiro aristócrata de la novela de Bram Stoker continúa siendo uno de los personajes más icónicos del género de terror. Ha sido resucitado en docenas de películas en los años, pero la versión de 1931 con Bela Lugosi sigue siendo nuestra favorita.

2. La Reina Alíen – Aliens 1986

Está creación del pintor suizo H. R. Geiger es considerada como la raza alienígena más peligrosa del universo. Además de producir legiones de leales soldados, la Reina Alíen posee un tamaño, fuerza e inteligencia superior a sus retoños. 

3. Godzilla – Godzilla 1954

¿Quién dijo que el tamaño no vale? Cuando este gigantesco reptil radiactivo se acerca a Tokio, las compañías de seguros terminan en bancarrota.

4. El Monstruo de Frankenstein – Frankenstein 1931

Es uno de los monstruos más incomprendidos de la pantalla grande. Después de todo, el es una víctima de la ciencia, una criatura desesperada por ser amada pero condenado a causa de su horrible aspecto. 

5. Freddy Krueger - A Nightmare on Elm Street 1984 

El personaje principal de la saga de películas de terror A Nightmare on Elm Street, asechaba adolescentes en sus pesadillas, utilizando sus fobias y miedos en su contra y causándoles la muerta en la vida real

6. Depredador – Predator 1987

A pesar de hacer trofeos de sus victimas, este cazador alienígena posee un alto sentido de honor. Utiliza todo tipos de armas y un dispositivo de camuflaje óptico para logra su objetivo. 

7. King Kong – King Kong 1933

Este enorme simio era otro monstruo incomprendido de la pantalla grande. En su mundo primitivo, era un dios, pero después de enamorarse de una joven, le llegó su final en la cima del Edificio Empire State de Nueva York. 

8. Jason Voorhees – Friday the 13th 1980

Aunque no tiene el ingenio de Freddy Krueger, Jason Voorhees es un “maestro” en el arte de despedazar a machetazos a adolescentes. 

9. Chucky – Child’s Play 1988

Hay que admitir que un juguete infantil convertido en maquina de matar es un concepto interesante.

10. La Cosa – The Thing 1982

Esta criatura extraterrestre perfectamente copiaba el ADN de cualquier organismo en contacto, causando el terror y la paranoia en un puesto de investigación en la Antártica

Desarrollo Del Cine

La acumulación gradual de diversos logros científicos, sin aparente relación entre sí, dieron lugar a la tecnología cinematográfica, como un mecanismo que creo la ilusión del movimiento continuó a partir de una serie de imágenes proyectadas en una pantalla. Su inicio se desarrollo primeramente en tabernas algo desagradables y espectáculos hasta convertirse en un enorme, respetable y complejo sistema económico para la producción, distribución y exhibición de películas como forma de diversión popular. Existieron conflictos que formaron parte de su evolución, tales como los distintos poderes que pugnaban por el poder del nuevo medio que aparecía, también la mayoría moral en la sociedad y aquéllos que buscaban aumentar sus beneficios recurriendo a placeres menos nobles cuando preparaban el contenido de sus películas.

Las personas que más contribuyeron a la tecnología de la que depende el cine, fueron en su mayor parte, hombres de ciencias, pero que mostraron escaso interés por el desarrollo del nuevo medio, ya que se encontraban más interesados en descubrir cosas tales como los principios físico de la refracción de la luz, la base neurológica de la visión humana, o la forma en que se percibe la ilusión del movimiento. El cine a llegado a la actualidad ha vincularse con actividades políticas (publicidad), pero su fuerte ha sido la presentación de un contenido comercial publicitario.

La historia primitiva del cine con más precisión es la historia del desarrollo de tres problemas científicos y técnicos, tal como la proyección y la cámara oscura, la ilusión del movimiento continuo y la captura de la imagen en la cámara oscura.

El Cine 3D

Recibe la denominación de cine 3D la tecnología de filmación y proyección de cine para que simula la visión tridimensional humana real.

El fenómeno del cine resultó una innovación, la inquietud de un cine que pudiese reproducir las imágenes tal cual son visualizadas por el ojo humano fue inminente. La historia del cinedata que, después del surgimiento de este medio (en 1895 con la primera proyección pública de la mano de los Hermanos Lumière) se comenzó a plantear la posibilidad de dotar a este nuevo gran espectáculo con la tercera dimensión para que se hiciera más real.

Se sabía que el cerebro creaba la sensación de tridimensionalidad sumando las dos imágenes que recibía a través del ojo izquierdo y del derecho. Lo que faltaba, era crear una solución técnica que permitiera proyectar esas dos imágenes de forma separada para que el cerebro las uniera.

Cine en el siglo XXI

Cine y posmodernidad.

Para cierto sector de la crítica, el cine ingresó hacia la década de 1980 en el postmodernismo. De ahí que se hablara del agotamiento de las vanguardias, de la imposición del concepto de simultaneidad por sobre el de continuidad, del reciclaje de viejos materiales. Hitos de este cine postmoderno serían filmes como Blade Runner (1982) o Pulp Fiction (1994), filmes armados a partir de la recreación de viejos códigos fílmicos y literarios que han perdido vigencia como tales, como por ejemplo el cine negro o el pulp. Contribuye a esta impresión, la dilución que las películas han ido experimentando debido al fenómeno del blockbuster, en el cual éstas se venden como parte de un gran paquete promocional de otros productos relacionados, como por ejemplo la banda sonora, la novela o el videojuego de la película. Estos ensamblajes multimedia han sido particularmente visibles en fenómenos como El proyecto de la bruja de Blair oMatrix, que buscaban ser no sólo películas, sino experiencias totales que abarcaran también Internet. Se considere al "cine postmoderno" como una categoría nueva de cine o no, el caso es que la experiencia de ver un filme a finales del siglo XX y comienzos del siglo XXI, era radicalmente diferente a la de las generaciones anteriores.

El cine e Internet

La generalización de las tecnologías relacionadas con el ordenador cambió al cine para siempre. Los antiguos efectos especiales a base de maquetas y sobreimpresiones pasaron a ser desarrollados mediante computadoras. La primera película con efectos digitales fue Tron (1982), pero desde ahí el desarrollo fue fulminante, hasta el punto que en 1995 la compañía Pixar pudo realizar el primer largometraje íntegramente realizado por computadora (Toy Story), y en 2004, la película Sky Captain y el mundo del mañana era completamente virtual, siendo reales sólo los actores protagonistas, quienes rodaron íntegramente frente a una pantalla azul. Un paso muy simbólico lo dieron los Estudios Disney, cuando después del fracaso de su film en animación tradicional Zafarrancho en el rancho, cerraron esta división y se concentraron en el mercado de la animación por computadora.

Internet supuso también un desafío mayúsculo para los grandes estudios, debido a que el brutal crecimiento de la capacidad de almacenaje en discos duros y portátiles (CD-ROM y DVD entre otros) llevó a que por primera vez se pudiera reproducir de manera virtualmente ilimitada una película íntegra, sin pérdida significativa de calidad. El siguiente paso vino con el surgimiento de las redesP2P ("peer to peer"), que permiten intercambiar información de todo tipo sin un servidor central, y que muchos usuarios empezaron a emplear para descargar películas gratuitamente desde la red, compartiéndolas entre ellos.

Todo lo anterior abrió un intenso debate, que aún no termina, en torno al problema de la propiedad intelectual en Internet. Los grandes estudios se quejan de las pérdidas que este intercambio origina, y los usuarios por su parte contraatacan esgrimiendo el principio dedemocracia en la red. Esta democratización, por su parte, ha llevado a que muchos realizadores independientes hayan optado por elcine digital, grabando sus películas y editándolas por ordenador, para luego colgarlas en sitios de intercambio de información, como por ejemplo YouTube o Vimeo, este último muy utilizado por cineastas independientes. También se ha simplificado el proceso de convocatoria a festivales de cine, con lo cual el cine independiente, realizado al margen de los grandes estudios, se ha visto fuertemente potenciado. Todo lo anterior ha llevado a una fuerte democratización del cine. Todas estas tendencias son incipientes, y aún es demasiado pronto para determinar cómo será el nuevo mercado del cine que emergerá en un futuro cercano.

También Internet ha servido para la difusión del cine clásico. Una colección de películas de dominio público se encuentran en el Internet Archive, una completa base de datos para la preservación de la historia del cine. Prelinger Archives contenía, en 2005, 1.969 películas, todas ellas de libre uso, ya sea personal o comercial.

Cine digital

El 2 de febrero de 2000 en París, Philippe Binant2 realizó la primera proyección de cine numérico público de Europa, fundada sobre la aplicación de un MEMS (DLP CINEMA) desarrollado por Texas Instruments3 .

Con la rápida difusión del digital y la proliferación de formatos, el Digital Cinema Iniciativas (DCI), trabajando junto con miembros del comité SMPTE de protocolos, publicó un sistema de especificaciones que han adoptado las mayores productoras estadounidenses. Resumiendo, los protocolos indican que las imágenes sean codificadas con el estándar ISO/IEC 15444-1 "JPEG2000" (.jp2) y que se use el espacio de color CIE XYZ a 12 bits por componentes codificado en una gamma de 1/2.6; que para el audio se utilice el formato “Broadcast Wave” (.wav) a 24 bits; también hablan de el cifrado y otros detalles técnicos4 .

Cine comercial contra cine arte

A medida que las películas de Hollywood se hacían cada vez más grandes en forma, y más escasas de contenido, el cine de otras regiones fue reaccionando a su vez. Así, se profundizó la grieta entre el llamado cine comercial, cuya principal factoría siguió siendoEstados Unidos, y el cine arte, elaborado en mayor abundancia en otras regiones del mundo. Esto se debió a varias razones. Por una parte, el cine comercial se hizo cada vez más caro de producir, y por ende, menos productoras podían incursionar en él (fundamentalmente de Estados Unidos); aunque esta tendencia se revirtió en parte con el auge de la computación, como lo prueban filmes europeos comerciales como los manufacturados por Luc Besson (Nikita, El quinto elemento), por ejemplo. En segundo lugar, realizar películas con contenido artístico se transformó para los círculos culturales europeos, latinoamericanos o asiáticos en una especie de estandarte cultural, para oponerse a la cultura de los Estados Unidos. De todas maneras, esta línea divisoria, muy marcada en las décadas de 1980 y 1990, se fue diluyendo entrado el siglo XXI, porque las nuevas posibilidades de los efectos especiales por computadora y el cine digital permitieron abaratar los costos de las películas comerciales. Además, el cine arte nunca desapareció por completo de Estados Unidos, como lo prueba un cineasta como David Lynch (Terciopelo azul, Twin Peaks), el cual, de todas maneras, para muchas de sus películas debió recurrir a capitales europeos.

Esta línea divisoria se observó en particular en el ámbito de los premios. Las películas "comerciales" aspiraban a ganar principalmente el Óscar, mientras que aquellas realizadas con vocación de "cine arte" tendían a buscar reconocimiento en Cannes, Berlín, o Venecia. Aunque esto sigue sin ser una regla absoluta, ya que hubo películas "comerciales" que buscaron reconocimiento artístico en Cannes (por ejemplo, Shakespeare in Love), y cineastas "artísticos" que buscaron publicidad en Hollywood (por ejemplo, Pedro Almodóvar oHayao Miyazaki).

El movimiento más importante relacionado con el cine europeo de la época fue el movimiento Dogma 95. Planteándose como reacción al cine comercial, postulaban un cine naturalista, sin efectos de sonido ni banda sonora, con actuaciones más bien espontáneas, y filmadas con iluminación natural. Esto fue posible en buena medida gracias a la aparición de la cámara digital. Ideológicamente, Dogma 95 se inscribía en la línea intelectual de la crítica a la burguesía, tan cara al cine europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Nada de esto era nuevo, porque en su tiempo, el Neorrealismo había adoptado presupuestos muy parecidos, y por análogas razones. Y por similares motivos también, Dogma 95 tuvo una muy corta vida, y sus cultores volvieron lentamente a los usos del cine de siempre, aunque los cineastas formados a su alero ejercieron una marcada influencia cultural. El más conocido de ellos es Lars von Trier, quien de todos modos después se desmarcó del movimiento.

La renovación del cine en Estados Unidos

Todos estos cambios en el cine, que seguían de cerca a la sociedad, iban a golpear al cine de Estados Unidos. Así es como en las décadas de 1960 y 1970 se formaron una serie de nuevos cineastas, que redefinieron la noción de cine hollywoodense. A pesar de sus muy dispares temáticas y preocupaciones, o quizás por eso mismo, todos tenían en común el privilegiar una mirada personal o autoral de sus películas, por sobre el cine comercial. Se suele considerar como el pionero de este movimiento a John Cassavetes, junto a otros nombres como Shirley Clarke, Barbara Loden, Paul Morrissey, Elaine May, Mark Rappaport y Robert Kramer. Directores comoWoody Allen, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman o Peter Bogdanovich también contribuyeron a ese paso del cine americano, pero siempre más amparados por la industria y sin alcanzar los extremos de marginalidad que caracterizaron al grupo de Cassavetes.

Los nombres de Steven Spielberg y George Lucas son asociados con frecuencia al cine comercial que imperó desde la década de 1980 en adelante, pero no siempre se recuerda que en sus inicios, eran cineastas independientes cuyas propuestas (American Graffitien el caso de Lucas, o Tiburón en el de Spielberg) eran consideradas como excéntricas.

También prendió con fuerza, en la serie B, el cine explotation, en respuesta al cine de bajo presupuesto que llegaba desde el extranjero. El género más autóctono en la serie B estadounidense de la época fue el Blaxploitation, que trataba historias de pandillas y maleantes negros, con altas dosis de violencia y sexo para la censura de la época.

Cine de autor contra cine de producto

Mientras Hollywood luchaba por superar la crisis, en el resto del mundo se imponían nuevas ideas fílmicas. Impregnados del espíritu de las vanguardias artísticas de la primera mitad del XX, en Europa comenzó la experimentación formal, que llevó a la creación de nuevas formas fílmicas.

La primera de ellas, en la Europa posterior a la Segunda Guerra Mundial, fue el Neorrealismo. Nació en Italia, como reacción al cine fascista del régimen de Mussolini, y buscaba la máxima naturalidad, con actores no profesionales, iluminación natural, etcétera, y con un cine de fuerte crítica social. Se considera inaugurado el género con Roma, ciudad abierta (1945), aunque suele considerarse como su mayor representante el Ladri di biciclette de Vittorio de Sica (1948). El Neorrealismo se agotó pronto, pero muchos cineastas formados o desarrollados en éste, siguieron rodando después (Federico Fellini, Luchino Visconti, Roberto Rossellini, etcétera).

Esta tendencia hacia un cine más realista y menos espectacular fue recogida en otros lugares de Europa. En Francia, François Truffautle dio el definitivo empuje a la nouvelle vague, con filmes como Los cuatrocientos golpes; los cineastas se agruparon en torno a la revista Cahiers du Cinéma, que utilizaron como vehículo de sus ideas sobre el cine. Destaca, aparte de Truffaut, J. L. Godard (Al final de la escapada). Este fenómeno encontró paralelo en el free cinema inglés, y después se proyectó en Latinoamérica, muy en particular en el cinema novo de Brasil, con filmes como Dios y el diablo en la tierra del sol.

Gran parte de la actividad intelectual en torno al cine se desarrollaba no en los estudios de productores, sino en los foros, en donde se proyectaban filmes, y se discutía sobre ellos entre el público interesado. Cahiers du Cinéma definió su propio cine como un cine de autor, o sea del director, frente al cine hollywoodense, el cual era considerado cine de productor, y por ende, reivindicaba la mirada artística y personal del director, por encima de las exigencias comerciales. Esto le abrió las puertas a cineastas con propuestas tan personales como Ingmar Bergman (El séptimo sello), Luis Buñuel (Los olvidados, Viridiana, Belle de jour), Stanley Kubrick (2001: Odisea del Espacio o La naranja mecánica), Pier Paolo Pasolini (Salò o los 120 días de Sodoma), Werner Herzog (Aguirre, la cólera de Dios ), o Andréi Tarkovski (Stalker), por ejemplo, además de allanar el camino para cineastas no europeos, como por ejemplo el japonés Akira Kurosawa (Rashōmon). También hubo filmes que trataron géneros considerados como típicamente hollywoodenses y los plantearon en sus propios términos, como por ejemplo Barbarella (la ciencia ficción), Los paraguas de Cherburgo (la comedia musical),El Evangelio según San Mateo (el cine bíblico) o El bueno, el malo y el feo (el western).

La ironía es que muchos actores y actrices de estos movimientos, con el tiempo se convirtieron en estrellas tan rutilantes como las hollywoodenses: fue el caso de Brigitte Bardot, Catherine Deneuve, Isabelle Adjani, Jean-Paul Belmondo, etcétera. Parte de su encanto radicaba en que se permitían muchas libertades sexuales que las estrellas de Estados Unidos no podían o no querían por la censura imperante en Hollywood.

Tampoco desapareció en Europa el cine comercial. El despliegue de colosalismo por parte de Hollywood encontró respuesta en el desarrollo del peplum primero, y cuando éste se agotó, en el spaghetti western. Fuera de Europa también hubo otras manifestaciones fílmicas que se hicieron prontamente comerciales, como por ejemplo el cine de artes marciales procedente de Hong Kong. Todas estas productoras trabajaban artesanalmente, y no podían competir con la alta calidad técnica de Hollywood, por lo que se esforzaron en la cantidad, redefiniendo así el cine de serie B.

Articulo Adicional ( El Cine )

La historia del cine como espectáculo comenzó en París, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematógrafo mudo de los hermanos Lumière, hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del género, creando así los géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, surgiendo así distintosmovimientos cinematográficos y cinematografías nacionales.

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